| |
Московским композиторам будут
аплодировать в Америке
В
Москве никогда не проводился сколько-нибудь
значительный фестиваль музыки,
созданной питомцами Московской
консерватории. Идея проведения такого
фестиваля пришла в голову американскому
композитору и дирижеру, руководителю
Центра современной музыки университета
штата Айова Дэвиду Гомпперу. Побывав в
1999 году в этом прославленном российском
музыкальном учебном заведении, мистер
Гомппер решил пригласить нескольких ее
питомцев для участия в масштабном
Фестивале современной русской музыки,
который будет проводиться в Айова-сити с
28 сентября по 1 октября 2000 года.
Мр.
Гомппер рассказывает о деятельности
руководимого им центра так: «Центр
современной музыки был создан в 1966 году
Рокфеллер-фондом и побудил многих
композиторов к созданию произведений
специально для ансамбля центра. Уже 34
года центр остается проводником
современного музыкального
исполнительства. В ансамбле центра
существует ядро из 9 основных
инструменталистов, которое может быть
расширено до более чем 20 музыкантов в
зависимости от репертуара. Центр
принимает исполнителей и композиторов
на стажировки, а также заказывает
композиторам сочинения при посредстве
сотрудников музыкального отделения
университета.
В
ноябре 1998 года ансамбль Центра
современной музыки, в котором участвуют
и студенты, и преподаватели
музыкального факультета, совершил
гастрольный тур по Восточному
американскому побережью и выступал в
Йельском, Гарвардском и Айовском
университетах, Меркинском концертном
зале в Нью-Йорке и в Коннектикутском
колледже. Последнее выступление было
частью большого фестиваля,
охватывающего региональную конференцию
всеамериканского Общества Композиторов,
президентом которого я являюсь и имею
возможность общаться со многими
американскими композиторами - членами
этого общества, а также серию концертов
и лекций в честь Пьера Булеза.
Центр ставит себе
задачей поощрять создание новых
сочинений в этой стране. Для этого он
приглашает композиторов и исполнителей,
соединяя профессиональных музыкантов с
ныне живущими композиторами. Хотя
институт поддержки серьезной музыки и «высокого
искусства» в данной стране находится в
весьма плачевном положении, серьезная
современная музыка все же успешно
выживает в данном академическом учебном
заведении. Университет штата Айова, на
музыкальном факультете которого
занимаются более 500 студентов, входит в
содружество из 15-20 музыкальных учебных
заведений в Соединенных Штатах, которые
содействуют широкому спектру
исполнительских возможностей –
примерно таким же образом, каким
европейские консерватории помогают
населению своих областей и стран.
Идея
проведения фестиваля русской музыки
возникла два года назад, когда
преподаватель Московской консерватории
Светлана Сигида и другие
консерваторские музыканты посетили
университет Айовы. Годом позже я был
приглашен в Московскую консерваторию с
лекциями по современной американской
музыке. Консерваторский ансамбль «Студия
новой музыки» исполнил концерт из моих
произведений. Приближающийся фестиваль
был рожден благодаря желанию побольше
узнать о русской музыке в том виде, в
котором она существует сейчас.
Представление американцев о русской
музыке ХХ века в большинстве случаев
заканчивается на Шостаковиче, и мы
ничего не подозреваем о современных
стилистических направлениях, интересах
(какая музыка сейчас сочиняется и кто
посещает концерты с ее исполнением), о
влияниях и практиках.
Мы
с нетерпением готовимся принять у себя
русских композиторов и музыковедов из
Московской государственной
консерватории и
предвосхищаем будущее сотрудничество
между музыкантами и композиторами обеих
наших стран».
В
программу «русского» фестиваля
включены три концерта и множество
лекций, семинаров и мастер-классов с
участием бывших и нынешних профессоров
Московской Государственной
консерватории им. П.И.Чайковского, а
также ее студентов и недавних
выпускников. Как известно, именно
Московская консерватория воспитала
большинство ведущих российских
композиторов, многие из которых
впоследствии работали в ее стенах. В
задачу нынешнего фестиваля входит
познакомить американских слушателей с
музыкой ныне живущих авторов,
представителей как разных
стилистических направлений - для того,
чтобы создать как можно более полную
квартиру московской (олицетворяющей
российскую) современной композиторской
жизни. Десять композиторов будут
присутствовать при исполнении своих
сочинений и во время семинаров
расскажут о своем творчестве. В трех
концертах фестиваля прозвучат
сочинения не только присутствующих, но
также и других шести композиторов,
учившихся или работавших в Московской
консерватории. Четверо ведущих
российских и один американский
музыковеды познакомят слушателей с
современной ситуацией в русской музыке,
с музыкой наиболее известных ныне
живущих русских композиторов. Профессор
В. Агафонников, декан композиторского
факультета Московской консерватории,
расскажет о работе своего факультета.
Профессор Роман Леденев представит
преподавателей этого факультета.
Специальными
гостями фестиваля станут крупнейшие
американские специалисты по русской
музыкепрофессора Ричард Тарускин и
Гленн Уоткинс.
Уникальность
фестиваля в Айове и заключается в первую
очередь в том, что его посетители
получат возможность услышать о
важнейших явлениях современной
российской музыки, познакомиться с ее
яркими представителями (каждому из
присутствующих на фестивале
композиторов будет предоставлена
возможность рассказать о своем
творчестве) и с
их музыкой. На фестивале оказались
представлены все три ныне существующие
поколения русских композиторов: старшее
(профессора Московской консерватории Р.
Леденев, В.
Агафонников и Ю. Буцко), среднее (профессора
Московской консерватории Ф. Караев, В.
Тарнопольский, С. Загний,
М. Коллонтай, И. Дубкова, а также А.
Вустин, Н. Корндорф, А.
Головин и В. Николаев) и младшее (аспирант
консерватории Д. Рябцев, Л. Карев, А.
Стефану и О.
Раева).
Практически
все направления, существующие в
российской музыке сегодня, получат свое
освещение на фестивале – и в
музыковедческих лекциях, и в
композиторских выступлениях и
исполнениях. Сегодня, перечислив имена
всех участников фестиваля, мы
познакомим наших читателей с самыми
молодыми из них, чьи имена еще не
завоевали прочное место в московских
афишах. Возможно, американский
фестиваль откроет им дорогу к признанию
на родине.
Ведущий русский специалист по
проблемам авангарда и современной
музыки Светлана Савенко прочитает
лекцию об особенностях российского
структурализма, постмодернизма и
авангардизма в целом. В концертах
фестиваля прозвучит музыка нескольких
российских последователей этого
направления: Ф. Караева, В.
Тарнопольского, А. Вустина, О. Раевой.
Что
делает современную русскую музыку
русской? Чем она отличается от
европейской? Ощущают ли себя отдельные
русские композиторы представителями
русского искусства в целом или являются
только композиторами из России? На эти
вопросы ответит музыковед Марина
Фролова-Волкер. В сегодняшней
отечественной музыке можно выделить два
истинно русских течения: традиционализм
и религиозно ориентированное
направление.
К
традиционализму, использующему
академическую композиторскую технику и
элементы русского фольклора, официально
поддерживаемому государством в годы
советской власти, так или иначе
обращались все известные русские
композиторы советского периода. В наше
время интерес к этому течению не иссяк, и
его представителями на фестивале
является В. Агафонников и
И. Дубкова.
«Русское» начало сильно в музыке
композиторов, связавший свой творческий
путь с русским религиозным сознанием.
Несмотря на различие в творческих
методах, они объединены одной духовной
тенденцией: картина современного мира
видится ими сквозь призму философского
созерцания. Кроме того, творчество этих
композиторов нередко опирается на
законы знаменного распева. В последней
четверти ХХ века, после запретов и
гонений, традиции русского церковного
пения и, в частности, знаменного роспева,
были адаптированы в профессиональном
творчестве некоторых русских
композиторов, начиная с Ю. Буцко, первым из современных
композиторов пришедшего к работе со
знаменным роспевом (еще в те времена,
когда любое обращение к церковным
устоям было запрещено) и разработавшего
собственную методологию работы со знаменным роспевом и
специальный звукоряд, производный из
обиходного. Музыковед
Елена Дубинец расскажет на фестивале о
принципах русской религиозной музыки и
о творчестве ведущих композиторов этого
направления. Органная музыка Ю. Буцко, а
также М. Коллонтая, Л. Карева, Р. Леденева,
А. Вустина и А. Головина, будет исполнена
в сольном концерте молодым органистом
и композитором Леонидом Каревым (1969).
 Этот замечательный музыкант
закончил консерваторию города Булони и
Парижскую консерваторию по классу
органа и стал лауреатом нескольких
международных конкурсов. Нередко он
исполняет в концертах свою музыку (он
является автором главным образом
камерных сочинений).
Композиционная
цельность, технически
сложный, но доступный для восприятия
музыкальный язык, стилистическое
единство, бережное отношение к
цитируемому материалу и к
звуковым возможностям инструментального
состава - вот основные черты творчества
этого композитора. Леонид
считает себя последователем
творчества Юрия Буцко. Адаптируя
народные мелодии и старинные церковные
песнопения к современности, Л. Карев
старается сохранить контекстуальные
условия жизни народных тем и знаменного
распева, религиозную сущность
последнего.
Леонид
обладает стройной системой
эстетических взглядов, о которых
намеревается рассказать на фестивале.
Он говорит: «Стараясь
вписаться в глубинную традицию русской
музыки, я сознательно встал на путь "прозрачности"
стиля, что привело меня к определённым
критериям эстетической самокритики, тем
более жёсткой, чем проще оказывается
внешняя сторона моей "продукции".
При их внешней обобщённости, эти
критерии опираются на выработанные
веками культурные ценности
человечества, являющимися для меня
более весомыми аргументами, нежели
порождённые фантазией того или иного
индивидуума "техники".
Для меня в первую очередь
важен отбор "строительного материала",
который должен быть совершенен и
выразителен. Для того, чтобы будущее
произведение состоялось, мне нужна
чётко выраженная мелодическая идея.
Дальнейшая работа с этим "материалом"
не может руководствоваться чисто
умственными спекуляциями. Это должна
быть глубокая интонационная работа,
имеющая целью единственно возможное
оптимальное развитие "материала",
ведущее, как правило, к его смысловому
перерождению. Любое излишество
музыкальной материи, должно, по
возможности, отсекаться, как мешающее
концентрации на главном.
Бескомпромиссное следование этому пути
может привести к созданию истинно новых,
удивительных форм».
Леонид
Карев исполнит в своем сольном концерте
собственное переложение для органа
пьесы весьма почитаемого им
замечательного композитора Романа
Леденева, чье творчество стоит
особняком в истории современной русской
музыки. Композитора можно назвать и нео-романтиком,
и традиционалистом, и даже отчасти
минималистом. Овладев додекафонной
техникой, он перешел к диатонической «новой
простоте», также используя русские
фольклорные (нерелигиозные) элементы.
Леденев создает красивую, высоко
лиричную музыку с очень искренним тоном,
без всякой патетики и претензий на то
чтобы его сочинения «понравились»
слушателям.
Один из
последователей «новой простоты» –
молодой композитор Дмитрий Рябцев (1969).
Как и Роман Леденев, Рябцев
стремится добиться простых, но
адекватных задаче решений, не часто
прибегая к примитивизму
минималистических приемов, но и не
перенасыщая ткань.
 Рябцев
обладает ярким мелодическим даром, и
поэтому его музыка всегда наполнена
сочным контрапунктическим
многоголосием, каждая линия в котором
отчетливо слышна и обладает
неповторимым колоритом. Его
инструментальные холсты отличаются
безошибочным слышанием тембровых
красок и чистотой фактуры. Немаловажную
роль в формировании творческого почерка
этого композитора сыграл большой опыт
работы для ансамблей русских народных
инструментов, а также для театральных и
кино-постановок, оформительская работа
на радио и телевидении, многочисленные
аранжировки.
Рябцев
– единственный учащийся консерватории (аспирант
композиторского факультета),
приглашенный на фестиваль. Все
остальные композиторы давно закончили
свое образование. Помимо этого, Рябцев
стал единственным, кому американский
фестиваль специально заказал новое
произведение для исполнения в одном из
концертов. Возникшая благодаря этому
заказу пьеса “Berceuse” для фортепиано,
флейты, кларнета и струнного квартета
стилистически находится в точке
золотого сечения всей сегодняшней
российской музыки, поскольку лежит на
пересечении многих наиболее
разрабатываемых стилей.
В
пьесе две части, показывающие метания
героя, жизнь
днем и ночью, в двух состояниях. Роль
лирического героя отдана фортепиано,
партию которого на фестивале исполнит
сам автор. Первая
часть является блестящим образцом
постминимализма, обогащенного глубиной
содержания и тонкостью эмоций. В ней
минималистскими средствами рисуется, по
словам ее автора, «существование в
общем потоке». Характеризуя эту музыку,
композитор предложил очень точный
термин - «психологический минимализм»,
охватывающий едва ли не все
значительные явления русского
минимализма. Рябцев говорит: «В моем «минимализме»
интонации,
являющиеся привычным топливом для
минималисткой машины, выбраны не
нейтральные. Такая музыка не впитывает
все подряд «из снаружи» и «из-нутри», она
психологически направлена (мною)». В
какой-то момент на фоне тиканья этого
минималистского часового механизма,
отсчитывающего вечность суеты и
повседневности, у фортепиано возникает
старомодная, даже сентиментально-ностальгическая
мелодия. Она выводит героя на уровень
личных, сугубо романтических
ассоциаций и переживаний. «Вторая
часть пьесы, - поясняет автор, - олицетворяет неутоленное
стремление к покою (в булгаковском
смысле) и недостижимость его. Пожалуй,
это основная «тема» сочинения. Это даже
не грезы, не сон (в смысле «покой»),
скорее попытка «вызвать дух сна».
Желание услышать «колыбельную» хоть от
кого-либо, или хотя бы услышать в себе «колыбельную
самому себе». Но внутренние метания «лирического
героя» так и не исчезают до конца пьесы.
Лирическая история не завершена.
Бессонный сон и неусыпляющая
колыбельная». Фортепианные размышления,
поддержанные протянутыми аккордами у
струнных, погружают слушателя в мир
подсознательных рефлексий и грустного
спокойствия неудовлетворенности
метаний.
Исполнение
этой пьесы станет единственной
премьерой фестиваля. Изумительная
чистота стиля, необыкновенно
прочувствованная и проникающая
образность наверняка обеспечат этой
пьесе большой успех и заслуженное
признание ее автору. Рассказывая о своем
творчестве в целом, Дмитрий Рябцев
говорит: «Для меня интерес всегда
заключался в сокрытии используемых
техник и в нежелании показывать
сочинения более современными, чем они
есть. Я стремлюсь обходиться теми
приемами, которых достаточно, даже если
окажется достаточным написать
традиционный вальс на три четверти.
Например, мне интересно писать
додекафонные построения так, чтобы они
звучали как тональные. 12-тоновость для
меня часто является простейшим
способом организации материала, даже
банальным. Примерно то же можно было бы
сказать и о любой другой используемой
"современной" технике — она
никогда не является самоцелью и поводом
для написания музыки.
В области организации
времени мне интересно работать со
стандартным ощущением метра, находя
возможности для игры с ней как в области
переменного метра, так и смещения
типовых ритмических фигур и извлечения
из этого каких-то новых смыслов».
Минимализм,
техническими приемами которого нередко
пользуется Рябцев, внедрился в
музыкальную жизнь России поздно,
четверть века спустя после своего
стремительного расцвета в Америке.
Добавив к своей истории несколько
типичных репетитивных образчиков,
минимализм преобразился, вобрав в себя традиционные
русские качества – глубину
высказывания и концептуальность
проблематики. Музыковед Е. Дубинец
расскажет на фестивале о русском
минимализме и об основных его
представителях, выпускниках Московской
консерватории (В. Мартынове, С. Загнии, А.
Батагове, П. Карманове). Один из наиболее
ярких отечественных минималистов,
Николай Корндорф, ныне
проживающий в Канаде, но ощущающий себя
сугубо русским композитором,
представит свою музыку.
Блестящий
знаток современной музыки во всех ее
проявлениях, продюсер Московского
фестиваля современной музыки «Альтернатива»
Дмитрий Ухов расскажет о двух
направлениях российской не-академической
музыки. Его лекция об экспериментализме
будет проиллюстрирована выступлением
одного из наиболее экстремальных
российских экспериментаторов
композитора Сергея Загния, лауреата
премии имени Кейджа.
Американский
ученый Лу Пайн специально для фестиваля
провел исследование творческих
отношений между родоначальником
отечественной электронной музыки Львом
Терменом и ленинградским композитором
Иосифом Шиллингером, создавшим в
Америке собственную школу обучения
композиции (его учеником был Д. Гершвин)
и ставшим первым историком терменвокса.
В программу фестиваля входит просмотр
документального фильма о Л. Термене и
демонстрация работы терменвокса.
Проводя линию к современности, Д. Ухов
расскажет о российской
электроакустической музыке, и в
частности, о деятельности Термен-центра
при Московской консерватории. Записи
музыки двух представителей этого центра
– В. Николаева и А. Стефану – украсят
программу концертов.
 Альбина Стефану (Стоянова)
(1969) стала одной из двух аспирантов
Московской консерватории, приглашенных
продолжить свое образование в области
электро-акустической музыки в одном из
самых престижных колледжей Америки -
Дартмут Колледже (Dartmouth Colledge, NH, USA).
Сочинения
Альбины весьма разнообразны: от
авангардной компьютерной музыки до
забавных псевдо-русских попевок для
детей, от распевной широты
симфонической музыки до
импрессионистических причуд камерных
сочинений. Особое внимание Альбина
всегда уделяет человеческому голосу,
используя его в разных проявлениях: речь,
мелодрама, вокализ, напев, sprechstimme,
компонент text-sound composition. Другой важный
аспект музыки А. Стефану – элементы
синкретизма, синтеза искусств в ее
сочинениях, также в самых разнообразных
вариантах. Она является автором
миниатюрных детских опер, балетов,
музыки к мультфильмам, мультимедийных
сочинений. Альбина говорит: «Мне
значительно легче создавать музыку,
когда у меня есть исходный импульс. Это
может быть образ поэтический или
зрительный, звуковая краска (тембр) или
даже просто некий эмоциональный всплеск.
Благодаря этому, многие из моих
композиций можно отнести, в широком
смысле слова, к жанру мультимедия.
Сочинения для голоса, нередко на
собственные стихи в академическом стиле.
Музыка для мультфильмов. Пьеса для
инструментального ансамбля, танцоров и
видео. Сказки-балеты для детей.
Сочинение в жанре text-sound для танцоров и
пленки, основанное на тексте М.Ю.Лермонтова.
Особым
источником вдохновения для меня
является экспрессия человеческого
голоса. Я неоднократно обращалась к
голосу в самых разных жанрах, и каждый
раз я открываю для себя новые
возможности. Помимо красоты самого
тембра голоса, в электронике речь
является источником оригинальных
нетемперированных интонаций, из которых
вытекает не только мелодика, но и
гармония, ритм и форма сочинения на
разных уровнях. Текст задает смысл и
эмоции. Таким образом, при создании
пьесы text-sound, я являюсь своего рода
переводчиком, интерпретатором с языка
поэтического на язык музыки на основе их
общего компонента -- звука.
Именно
благодаря звуковым краскам я изначально
заинтересовалась компьютерной музыкой.
Уровень контроля при трансформации
звука в компьютере не сравним с
инструментальной музыкой. Однако я
люблю работать с сэмплами, они помогают
"оживлять" компьютерный звук”.
Фестиваль
русской современной музыки в Айове дает
американским любителям музыки редкую
возможность познакомиться
с современным состоянием русской
культуры, одной из наиболее
значительных музыкальных культур мира.
Елена
Дубинец
sdub@iname.com
Сокращенный
вариант этой статьи опубликован в
журнале "Филармоник"
|
